Instrumental ou vocal : quel jazz pour forger son identité de musicien ?

Dire que le jazz se divise entre vocal et instrumental, c’est comme affirmer que la cuisine française se résume à la pâtisserie ou au plat principal. L’opposition existe, bien sûr, mais elle est, fondamentalement, poreuse et mouvante. Pour qui souhaite se jeter dans le grand bain du jazz – qu’on débute ou qu’on peaufine sa trajectoire – la question n’est pas seulement de savoir « ce qui plaît », mais « ce qui engage » : que cherche-t-on à raconter, à partager, à vivre sur scène et en dehors ? Ce sont ces dynamiques, historiques et vivantes, que ce texte propose d’explorer pour éclairer le choix d’un chemin, sans dogme ni préjugé.

Liberté jusqu’à l’os

Ceux qui voient dans le jazz un espace de liberté totale pensent souvent spontanément à l’instrumental. C’est le terrain où l’on peut redéfinir à chaque instant les possibles du son, de la forme, du rythme, de l’harmonie. Miles Davis, dès les années 1950, imposait des directions à ses musiciens puis les laissait improviser – l’enregistrement mythique Kind of Blue (1959) a révolutionné l’histoire en n’étant, justement, ni complètement écrit, ni totalement improvisé. Ici, chaque solo, même en live et entendu une fois dans un club obscur, peut devenir un manifeste esthétique.

Les forces de l’instrumental

• L’expérimentation sans filet : Les musiciens instrumentistes sont parfois les enfants terribles du jazz, emmenant le swing là où l’oreille hésite à s’aventurer. L’histoire du free jazz, d’Albert Ayler à Fire! Orchestra, en témoigne.
• L’expression sans paroles : Sans la contrainte du texte, le langage se fait corporel, gestuel, le cri du sax aussi signifiant que n’importe quel poème.
• L’effet d’ensemble : Le travail d’arrangement, de textures, les dialogues entre instruments, font naître des “panoramas sonores” impossibles à reproduire ailleurs.

Embûches et défis

• Complexité technique : Pour les débutants, les codes (gammes, modes, improvisation) peuvent sembler décourageants.
• La tentation hermétique : Le danger de l’élitisme et du jargon n’est jamais loin (“un jazz où on ne comprend rien”, décharge fréquente du public non initié).

Des origines blues à la diva moderne

Dès les origines du jazz, la voix se fait arme. Du field holler et du blues rural au “scat” délirant d’Ella Fitzgerald, jusqu’aux incursions d’un Gregory Porter ou d’une Cécile McLorin Salvant, la voix, c’est l’humain mis à nu. En jazz vocal, la compréhension immédiate – même quand les paroles se perdent quelque part entre anglais appuyé et onomatopées – relie le musicien à son public sans écran.

C’est aussi là que jazz et chanson se croisent, du Great American Songbook revisité jusqu’aux incursions de la chanson française chez Jeanne Added ou Camille Bertault. Le texte, la diction, le timbre, la capacité à “raconter” deviennent un terrain de jeu d’une infinie subtilité.

Les spécificités vocales

• Accès direct à l’émotion : Rien qui rivalise, dans l’immédiateté, avec la voix humaine. Un vibrato, un souffle, une attaque, et c’est une salle qui suspend son souffle.
• Popularité et accessibilité : Les grands tubes vocaux (Sinatra, Billie Holiday, Nina Simone) ouvrent une porte d’entrée au jazz pour toute une génération de néophytes.
• Polyvalence stylistique : Le jazz vocal pioche sans complexe dans le pop, le rock, l’opéra – cf. Esperanza Spalding ou Cassandra Wilson.

Les limites de l’exercice

• Moins de marge d’improvisation : Le format chanson impose parfois des contraintes (structure, tonalité, contraintes du texte) qui brident la liberté pure de l’instrumental.
• Dépendance à la langue : L’impact émotionnel ou poétique dépend du contexte culturel, et peut s’effriter hors de la langue d’origine.

Du terrain des envies à celui de la logistique

Loin d’être une rivalité, la question du choix vocal/instrumental s’apparente plutôt à une expérience de laboratoire, où on pèse élan artistique, capacités, et envie de risque. Quelques repères pour s’orienter :

• Envie d’exploration sonore ou de prise de parole ? Ceux qui veulent “dire” le jazz sans mots trouveront l’instrumental plus gratifiant. Si raconter et porter un message vous anime, le vocal s’impose.
• Rapport au groupe : Être chanteur/chanteuse, c’est s’imposer d’emblée en leader du combo, incarner le point focal, assumer la dimension charismatique de la prestation. L’instrumentiste, en revanche, évolue dans un dialogue permanent, souvent plus collégial.
• Besoins pratiques : Démarrer le chant nécessite peu d’équipement... mais nécessite discipline, travail du souffle et gestion de la santé vocale. L’apprentissage instrumental demande plus d’investissement matériel et de temps sur l’instrument.
• Facilité d’insertion dans les scènes locales : Il existe souvent une pénurie de “bons chanteurs/chanteuses de jazz”, ce qui ouvre des opportunités pour celles et ceux qui maîtrisent la discipline (source : France Musique).

Quelques parcours inspirants

• Esperanza Spalding a remporté pour son premier album vocal un Grammy face à Justin Bieber, mais elle a toujours revendiqué sa double identité instrumentale et vocale.
• Cécile McLorin Salvant compose, chante, improvise, mais choisit régulièrement de retirer la voix pour laisser toute la place aux instruments lors de concerts ou d’albums.
• Gregory Porter a commencé comme athlète puis comme chanteur lyrique avant de trouver sa voie dans le jazz vocal.

On aurait tort de penser que le jazz du XXIe siècle se résume à un affrontement entre voix et instrument. Le croisement des disciplines est constant. De nombreux groupes émergents, du trio franco-britannique Trio SR9 à des collectifs comme Aksham (lauréat du Prix Django Reinhardt 2020) effacent les frontières classiques.

L’improvisation vocale empiète sur le “jeu instrumental” (cf. les nappes de voix chez Camille ou le scat polyphonique d’Antoine Berjeaut). À l’inverse, la voix se fait instrument, samplée, trafiquée, déformée, comme chez Melanie De Biasio ou les saxophonistes qui dialoguent avec des vocodeurs. Les labels indépendants (Label Bleu, Clean Feed, ECM) défendent justement ces “territoires hybrides” depuis plus de vingt ans (source : Jazz Magazine).

On découvre aujourd’hui une génération décomplexée, qui mêle jazz à l’électro, au spoken word, à la poésie (cf. le travail de Kokoroko ou la London Jazz Scene), et qui emprunte autant au DJing qu’à la tradition instrumentale.

Il n’existe ni “bon” ni “mauvais” camp : tout musicien ou musicienne de jazz – confirmé ou débutant – gagne à brouiller les frontières, à écouter l’autre rive, à se confronter à l’inconnu. Le jazz n’est jamais aussi vivant que lorsqu’il refuse la routine ou la consanguinité des chapelles. Choisir instrumental ou vocal, c’est donc d’abord choisir un point de départ, pas une destination. Plutôt qu’un couloir unique, le jazz propose un chantier ouvert, libre à chacun·e d’y inscrire ses propres couleurs, variations et nuances. Et c’est là, dans l’étrangeté du voyage, que le jazz reste une aventure qui fait vibrer – sans bruit, et tout en nuances.