Jazz Électronique : Quand les Innovateurs Allument la Mèche

Le jazz électronique n’est pas une étiquette confortable. On l’utilise pour désigner une foule d’univers où s’entrechoquent claviers analogiques, bidouillages numériques, boucles rythmiques, sampling, machines folles, mais aussi improvisations et swing déstructuré. Pour beaucoup d’« amateurs », l’aventure commence dans les années 1990 avec le nu jazz ou les expériences trip hop, mais la vérité est bien plus nuancée, bien plus trouble. La mèche avait déjà pris feu depuis des décennies.

Si l’on veut comprendre ce qu’est le jazz électronique, il faut remonter aux expériences les plus radicales, là où la rencontre entre l’électricité, la technologie et la pulsation jazz n’allait de soi pour personne. Qu’il s’agisse de transformer la matière sonore ou de bouleverser la logique musicale elle-même, ces pionniers ont ouvert les fenêtres (voire démonté les murs) d’un genre que beaucoup rêvaient d’enfermer dans une vitrine de musée. Leur histoire, c’est celle d’un jazz qui préfère l’accident à la recette, l’insolence de la surprise à la répétition rassurante.

Qu’un instrument électrique entre dans un combo jazz fait encore débat dans certains quarters. Mais dès la fin des années 1940, Les Paul popularise la guitare électrique, que quelques rares audacieux commencent à intégrer dans les orchestres. Pourtant, l’idée d’utiliser la technologie non seulement comme amplification, mais comme véritable matière de création, va bien plus loin.

• Sun Ra – Dès les années 1950, le mythique claviériste dresse la rampe de lancement. Il expérimente avec les premiers synthétiseurs (le Minimoog : Sun Ra fut l’un des premiers à jouer cet instrument sur scène, dès 1970, voir The Guardian, 2012), repoussant la définition même de la texture jazz. Chez lui, bruit blanc, oscillateurs et rythmiques électroniques tissent un univers cosmique, très éloigné de l’académisme swing.
• Raymond Scott – Plutôt connu du monde électro que du jazz mainstream, Scott est indispensable : ses trames électroniques et sa créativité dans le traitement du son (on lui doit notamment le « Circle Machine » et le « Electronium », ancêtre du séquenceur), influencent aussi bien le jazz que la musique populaire, mais sont encore trop rarement reconnus comme tels (voir Red Bull Music Academy, 2011).

Difficile de parler de jazz électronique sans évoquer le séisme provoqué par Miles Davis à la fin des années 1960. En 1969, l’album « In a Silent Way » jette de nouveaux ponts entre jazz, rock psychédélique et explorations électriques. Mais c’est surtout « Bitches Brew » (1970) qui incarne le big bang : du Fender Rhodes (pianiste Joe Zawinul), de la guitare électrique (John McLaughlin), des effets et du montage de bandes, la frontière entre acoustique et électrique explose. Le jazz devient un laboratoire instable.

L’influence est immédiate : l’album se vend à plus de 500 000 exemplaires en un an (source : NY Times), brisant les attentes commerciales et suscitant débats houleux dans la presse spécialisée. Pas étonnant : certains n’y voient que le « déclin » du vrai jazz, d’autres y lisent la promesse de mondes nouveaux.

Impossible d’ignorer le rôle central d’Herbie Hancock dans la mutation du jazz électronique. Après avoir propulsé le piano Rhodes chez Miles, Hancock plonge dans l’expérimentation avec le synthétiseur ARP Odyssey, les boîtes à rythmes, et l’art du « cut-up » sonore. Son album « Head Hunters » (1973) n’est pas qu’une fusion « jazz funk » : c’est un manifeste de l’improvisation assistée par la machine, conçu pour brouiller les pistes. L’album sera le plus vendu de l’histoire du jazz jusqu’au début des années 1980 (plus d’1 million d’exemplaires, source : Rolling Stone, 2013).

Hancock enfonce le clou avec « Future Shock » (1983), où le tube mondial « Rockit » mêle scratching, synthétiseurs et séquenceurs, anticipant les hybridations qui nourriront la house, le hip-hop et la drum’n’bass.

Dans les années 1970 et 80, toute une génération explose les frontières du jazz à coups de claviers, de synthés et de séquences numériques.

• Weather Report : Cofondé par Joe Zawinul (ex-sideman de Miles), le groupe fusionne rock, funk, jazz et textures synthétiques. Leur chef-d’œuvre « Heavy Weather » (1977) pose la basse fretless, le synthé Prophet-5, et un jeu de batterie électronique novateur au cœur du groove jazz.
• Return to Forever: Sous l’égide de Chick Corea, on passe d’un jazz-rock électrique à de véritables odyssées sonores bardées de synthétiseurs IMB ou Moog (écouter « Romantic Warrior », 1976).
• Pionniers du jazz planant nordique : L’étiquette ECM, chère à Manfred Eicher, intègre très tôt des textures électro-acoustiques et - dès 1975 – encourage les mariages piano/électronique (Jan Garbarek, Eberhard Weber, Terje Rypdal).

Ce virage s’accompagne d’un changement profond : les machines ne servent pas que d’ornement ou de gadget, elles transforment la structure même de la musique : on joue avec et contre la machine, les séquences remplacent parfois la section rythmique. Un nouvel espace d’improvisation s’ouvre.

La saga du jazz électronique ne concerne pas que les « grands noms ». D’autres voix, moins célèbres mais radicales dans leurs apports, participent à la mutation :

• Steve Coleman & Five Elements : Dès la fin des années 1980, Coleman intègre ordinateurs portables et algorithmes dans l’improvisation, ouvrant la voie à ce que l’on appellera plus tard le live coding.
• Matthew Shipp/Antipop Consortium : Dans les années 2000, la scène new-yorkaise explose les frontières entre jazz, hip-hop et sound design avec le projet « Antipop Vs Matthew Shipp ».
• Björk : Si l’on force un peu la frontière, la chanteuse islandaise s'entoure de pianistes jazz (Jason Moran, entre autres) capables de fondre improvisation, traitement électronique du son et nouvelles voix, brouillant la hiérarchie entre genres (voir Biophilia, 2011).

L’Europe ne s’est pas contentée d’importer les modèles américains : elle les a réinventés. À partir des années 1990, apparaissent des figures majeures du jazz électronique européen, en prise directe avec les scènes techno, drum’n’bass et ambient.

• Bugge Wesseltoft et la New Conception of Jazz : Pianiste norvégien, il fonde l’un des premiers combos à intégrer en direct laptop et sons électroniques en improvisation jazz (voir également le label Jazzland).
• Nils Petter Molvær : Trompettiste, héritier spirituel de Miles, il fusionne textures ambient, riffs de trompette samplés et beats techno. L’album « Khmer » (1997) s'écoulera à plus de 150 000 exemplaires, performance remarquable pour un disque à la croisée du jazz et de l’électronica (source : ECM Records).
• St. Germain (Ludovic Navarre) : Difficile de passer à côté du tube « Rose Rouge », qui s’est hissé en 2000 jusqu’au sommet des charts européens (plus de 300 000 albums vendus en France pour Tourist – SNEP).

Cette scène post-club a ouvert la voie à la génération jazz house, drum’n’bazz et broken beat londonien, de The Cinematic Orchestra à Ezra Collective.

• Déplacement des frontières : Chaque innovation n’a pas simplement ajouté un effet ou un beat. Elle a reprogrammé le langage jazz. La structure du morceau, la hiérarchie des instruments, la place de l’improvisation, tout a été bousculé.
• Renversement du rapport à la technologie : Au fil des années, la technologie est passée de la périphérie au centre. On ne pense plus en termes d’« instruments classiques + électronica », mais comme d’un continuum sonore, où sampling, contrôle en temps réel et manipulation de la matière sonore font partie de la grammaire du jazz.
• Poétique de la surprise : Le jazz électronique garde l’esprit de l’improvisation : son attrait pour l’accident, pour l’inouï. Ses pionniers restent des chercheurs d’or du son, indifférents aux diktats du « vrai jazz ».
• Impact sur la scène contemporaine : Sans cette histoire, aucun Kamasi Washington, Robert Glasper, GoGo Penguin ou Shabaka Hutchings ne pourrait improviser sur circuit imprimé tout en jouant l’héritage Coltranien. Les ponts construits par leurs aînés sont d’incroyables pistes d’envol pour l'expérimentation actuelle.

Le jazz électronique a cessé d’être une frontière pour devenir un carrefour, un terrain de jeu pour compositeurs et improvisateurs du monde entier. Qu’il s’agisse des expérimentations en home studio, de la scène berlinoise hybride ou des collectifs afro-futuristes d’aujourd’hui, l’héritage des pionniers ne se déguste pas à la louche, il se vit comme une invitation : celle de se perdre dans le son pour trouver, peut-être, une nouvelle définition du jazz à chaque détour. Écouteurs sur les oreilles, œil ouvert sur le monde : l’histoire n’a pas fini de s’inventer.

Sources principales : ECM Records, Red Bull Music Academy, Rolling Stone, The Guardian, The New York Times, SNEP, archives Jazzland, interviews diverses.