Jazz européen : sous le vernis, une ébullition instrumentale

Depuis trop longtemps, l’Europe jazzistique a servi de miroir poli à son cousin américain. Mais soyons clairs : le jazz ne traverse pas l’Atlantique dans des valises diplomatiques, il s’implante, mute, prolifère. L’Europe d’aujourd’hui, c’est une bouilloire. Ses scènes brassent l’histoire, investissent les musiques traditionnelles, la musique contemporaine, l’électronique, le rock, le hip hop, et surtout… envoient valser les dogmes académiques pilonnés dans les conservatoires.

Parlons des projets instrumentaux : là, les révolutions sont moins visibles mais bien plus audacieuses. Le son du jazz européen actuel surgit de mille fractures créatrices. Oubliez la sempiternelle image du quartet sage, section rythmique, sax-trompette devant – trop facile. Place aux aventures hybrides, à la lutherie maison, aux settings étranges où chaque instrument refuse d’être assigné à un rôle domestique.

C’est une constante : la majorité des projets réellement novateurs, qui tirent le jazz européen hors des sentiers balisés, assument une approche expérimentale du son et de la forme. Voici quelques balises pour s’y retrouver.

• Shabaka Hutchings & Sons of Kemet (Royaume-Uni) : Au croisement de la transe, du jazz, de l’afro-beat et du grime, le saxophoniste britannique Shabaka Hutchings propulse son quartet dans des territoires où le groove se fait cri révolutionnaire. Avec deux batteurs et un tuba, Sons of Kemet malaxe les carcans rythmiques, insuffle une énergie quasi punk (The Guardian).
• Emile Parisien Sextet (France) : Parisien est ce saxophoniste qui refuse les frontières – entre jazz et musique contemporaine, entre improvisation radicale et chants populaires. L’album "Louise" (2022, ACT) est un carrefour où trombone, violoncelle et piano jouent à armes égales, créant une matière sonore labyrinthique.
• Mette Henriette (Norvège) : Avec son "triple" ensemble (trio, 13tet, puis solo), la norvégienne se joue de la spatialité du son. Saxophone ténor, cordes, guitare, percussions préparées – chaque texture semble attirer l’auditeur dans une expérience physique et méditative, flirtant avec le minimalisme autant qu’avec la mémoire du free nordique.
• Django Bates’ Belovèd (Royaume-Uni/Suède) : Bates, alchimiste improbable du piano, bricole avec le trio jazz une architecture débordant sur la pop, Bartók ou le hard bop, repoussant toujours le langage du piano-basse-batterie au-delà du paradigme Esbjörn Svensson Trio (London Jazz News).

La fertilité du jazz européen est souvent alimentée par son dialogue féroce avec d’autres genres et traditions. Les projets les plus innovants en sont souvent les résultats les plus manifestes :

• Fire! Orchestra (Suède) : Emmené par le saxophoniste Mats Gustafsson, Fire! Orchestra explose le format big band, mélangeant expérimentations bruitistes, rock psychédélique, et improvisation collective désordonnée. Petit laboratoire suédois, résultat gigantesque : une phalange de 14 à 28 musiciens selon les tournées, et des lives qui tutoient l’état d’urgence permanent.
• AKKU Quintet (Suisse) : Autour du batteur Manuel Pasquinelli, AKKU construit une musique instrumentale hypnotique, naviguant entre jazz contemporain, post-rock, et musique répétitive. L’approche minimaliste de la batterie, le recours à l’électronique (samples et loops) et l’absence de virtuosité gratuite font mouche auprès des amateurs de croisement stylistique.
• Portico Quartet (Royaume-Uni) : Ce groupe a su imposer dans le jazz mainstream un instrument rare : le hang, percussions métalliques inventées à Bâle en 2000. Leur sonorité planante, quasi cinématographique, a ouvert le champ à d’innombrables projets d’électro-jazz oniriques dans toute l’Europe.
• Nik Bärtsch’s Ronin (Suisse) : Nik Bärtsch, pianiste féru de formes minimalistes, fusionne jazz, funk, musique classique répétitive et influences asiatiques. Son quintet, Ronin, est une mécanique d’horlogerie, où le groove évolue subrepticement, refusant le climax.
• Yazz Ahmed (Royaume-Uni/Bahreïn) : Trompettiste britannique, Yazz Ahmed fusionne jazz, musique modale du Moyen-Orient, et textures électroniques dans un projet comme "La Saboteuse" – ode à la transe instrumentale, à l’hybridation heureuse, à l’élargissement du champ des timbres.

La scène européenne du jazz instrumental ne se contente pas de jouer avec les styles, elle rebat aussi les cartes des outils. Si le jazz a longtemps été un espace de virtuosité instrumentaliste, maintenant, c’est la matière sonore elle-même qui devient le terrain de jeu.

• La lutherie augmentée : Effets sur saxophones (Julien Pontvianne du quartet Q), batterie hybridée, pédales d’effets pour trompette (Nils Petter Molvær), intégration du live sampling (Ensemble 0)… Les musiciens s’approprient la technologie non pour (se) moderniser, mais pour détourner l’écoute, provoquer la surprise.
• Instrumentations "anarchiques" : Nombreux sont les groupes qui mélangent cordes et vents a priori incompatibles, ajoutent des harmoniums, des boîtes à musique, ou même des laptops, à des trios ou quintets classiques (ex : Loraine James avec l’ensemble London Contemporary Orchestra, 2023, voir The Quietus).
• Polyrythmie et synthèses rythmiques : L’avènement du jazz européen contemporain doit beaucoup à l’irruption des métriques impaires, des influences balkaniques et orientales – de Tigran Hamasyan (Arménie) à Gard Nilssen (Norvège) avec son Acoustic Unity, ces polymétries sont devenues signatures du son européen et ne sont plus de l’exotisme de surface.

Tableau comparatif – quelques projets instrumentaux phares, leurs spécificités, leur impact

Pourquoi tant d’effervescence ? Ce n’est pas seulement une fuite en avant esthétique. Dans de nombreux pays (France, Royaume-Uni, Norvège, Allemagne, Suisse…), le jazz fait face à la concurrence féroce des musiques électroniques et urbaines, et à l’usure de ses modèles de diffusion (clubs vieillissants, faible visibilité médiatique). Résultat : c’est souvent dans la discrétion (labels indépendants, résidences, scènes alternatives) que s’inventent des projets ignorés des médias généralistes mais acclamés dans les festivals spécialisés (Jazzdor, London Jazz Festival, Moers, Banlieues Bleues…).

Cette dynamique s’accompagne d’une double vitalité : celle des pôles de formation ultra pointus (voir la Norges Musikkhøgskole d’Oslo, la Hochschule de Cologne, le CNSM de Paris, la Guildhall à Londres) et celle d’une scène DIY où beaucoup d’artistes auto-produisent, crowd-fundent, ou initient eux-mêmes leur distribution. Les frontières ne sont plus nationales, ni même idiomatiques : qui peut dire aujourd’hui où s’arrête le jazz et où commence la musique improvisée, l’electronica, ou la création contemporaine ?

Le jazz européen ne cesse de surprendre parce qu’il s’entête à fuir les évidences et à refuser l’académisme. La grande leçon de ces dix dernières années, c’est que les projets instrumentaux innovants ne cherchent pas la rupture forcée, ni la provocation futile – ils construisent patiemment un langage composite, expérimental mais vivant, dans lequel les musiciens s’écoutent, se défient, se moquent parfois des étiquettes.

Des duos électro-acoustiques aux orchestres concepts, des collectifs féminins qui réinventent la fanfare (ONJ Europa Berlin, Jazzrausch Bigband) aux laboratoires électroniques et aux « unplugged » revanchards, le jazz européen prouve que le futur n’est définitivement pas derrière lui.

Mieux : c’est sur scène, dans la tension de chaque note, que s’imagine la suite. Pas dans l’argument d’autorité du "grand répertoire". Et tant mieux : toute cette agitation, ces projets instrumentaux un peu "fous", sont le meilleur garant de la vitalité d’une musique qui, décidément, ne veut pas finir au musée.