Pionniers et ovnis : l’Europe aux origines du jazz électronique

Difficile de parler des racines sans évoquer l’Allemagne de l’Ouest des années 70. C’est dans les laboratoires de Cologne et Hambourg, nourris autant par Stockhausen que par la scène psychédélique, que surgissent les premiers défricheurs. Can et Kraftwerk, deux noms omniprésents, mais leur rapport au jazz reste sous-estimé.

• Can (Cologne, 1968) : Le batteur Jaki Liebezeit, ancien sideman de Manfred Schoof (trompettiste jazz d’avant-garde), importa le “motorik beat” minimaliste, mais c’est sa capacité d’improviser sur des motifs répétitifs et électroniques qui a fait le sel de morceaux comme Halleluhwah (1971). Liebezeit, parfois surnommé “l’homme-métronome”, appliquait des principes du jazz libre à des grooves quasi-industriels (Red Bull Music Academy).
• Wolfgang Dauner’s Et Cetera (Stuttgart, 1970-73) : Groupe éphémère mais véritable laboratoire, leurs albums comme Knirsch (1972) fusionnent Fender Rhodes trafiqué, Moog rageur, et improvisations free, préfigurant nombre d’approches du jazz électronique d’aujourd’hui (AllMusic).
• Kraftwerk : Le lien est moins direct, mais ce sont les arrangements du son robotique et la gestion du rythme façon “jam” électronique qui influenceront plus tard les jazzmen européens, à commencer par le norvégien Bugge Wesseltoft.

Petite anecdote marquante : dès 1973, Manfred Eicher, fondateur d’ECM, invitait déjà Jan Garbarek et Terje Rypdal à fusionner électronique modulaire et improvisation jazz, bien avant que la planète “nu jazz” ne s’emballe.

Si Londres est aujourd'hui reconnue pour ses clubs et son melting-pot, n’oublions pas que la rencontre du jazz et de l’électronique y remonte aux années 1980. Un nom à retenir au tout début : Working Week, trio fondé par Simon Booth et Larry Stabbins, anciens de la scène post-punk jazz-pop, qui joue dès 1984 une fusion entre jazz, samples et beats structurés. Mais ce sont deux autres collectifs qui vont amorcer le mouvement :

• Jazz Warriors (1985) : Issu de la communauté black britannique, ce big band revendique l’hybridation rythmique et l’utilisation occasionnelle de boîtes à rythmes dès la fin des années 80. Courtney Pine, saxophoniste leader, multiplie les collaborations électroniques, flirtant alors avec drum & bass, cinq ans avant que la mode ne débarque sur la scène mainstream.
• United Future Organization (UFO) : Certes, le noyau du groupe est nippo-britannique, mais c’est bien à Londres dans les 90s, aux côtés du label Talkin’ Loud et d’acteurs comme Gilles Peterson, que naît vraiment le son broken beat et jazz électronique. UFO synthétise jazz modal, samplers analogiques et explosion de grooves urbains.

Fun fact : selon Gilles Peterson himself, “la révolution acid jazz n’a pas commencé par hasard : elle était une réponse à la scène house américaine qui ne laissait pas sa place à l’improvisation.” (Gilles Peterson Worldwide)

C’est au Nord que se joue l’une des révolutions les plus silencieuses mais décisives. Loin des strass des grandes capitales, la Norvège et la Suède, poussées par l’esthétique ECM et la rigueur absolue de leurs musiciens (merci les longs hivers), ont accouché de combos propulsant le jazz dans l’ère numérique.

• Bugge Wesseltoft & New Conception of Jazz (Oslo, 1996) : Selon beaucoup, “l’inventeur” du nu jazz. Sur des albums comme Sharing (1998) ou Jazzland Community (2002), Bugge triture les Rhodes, truffe ses morceaux d’effets digitaux tout en laissant aux musiciens (notamment Ingar Zach à la batterie électronique) un espace de pure improvisation. Il vend plus de 100 000 disques – record pour une scène jazz nordique à l’époque. (Jazzland Rec).
• Esbjörn Svensson Trio (E.S.T.) (Suède, 1993) : Des compositions labyrinthiques, souvent nourries de rythmiques électro, des traitements de sons en direct, et l’usage d’effets digitaux omniprésent. Leur album Leucocyte (2008) pousse les limites : enregistré en live sur une machine 24 pistes, une partie des pistes sont manipullées et re-échantillonnées en temps réel.

Détail qui tue : en 2002, ils remplissent la Brixton Academy de Londres, devant 3000 spectateurs – un exploit pour un « simple » trio piano-basse-batterie suédois.

Le mythe persiste : la France serait le territoire du jazz manouche, du chabada swing “à la papa” ou du jazz fusion sage. Erreur ! Dès la fin des années 80, certaines enclaves musicales françaises vont tourner la table.

• Sixun (Paris, 1985) : Considéré comme les “Weather Report” français, ils intègrent des séquenceurs midi sur L’Eau de là (1992), un album salué pour sa rythmique hybride. Leur album Live à La Cigale fera date avec plus d'un quart du set structuré autour de samples digitaux.
• Laurent de Wilde & Otisto 23 (2007) : Loin de la première vague, ce duo dynamite les frontières à coups de Rhodes et de laptops. Leur projet PC Pieces (prémices courant 2002 en live), scelle la rencontre de l’improvisation jazz et du live processing en temps réel. Le morceau “Looping” sera même playlisté sur FIP début 2008, une première pour du jazz aussi “hacker”.

Autre acteur marquant, moins médiatisé mais précurseur : Electro-Jazz Project de Philippe Garcia (batteur de Erik Truffaz), qui dès 2000 fonde un quartet où la moitié des instruments sont électroniques, mélangeant voix retraitée, claviers et groove syncopé.

Oublier l’Italie ou les Pays-Bas serait oublier les ramifications majeures du jazz électronique.

• Paolo Fresu Devil Quartet (Italie, 2003) : Dès Carpe Diem (2005), le trompettiste s’attaque aux pédales d’effets, superpose delays et reverbs, et embarque le public vers des contrées électroniques sur des thèmes jazz et folk méditerranéens.
• Star Rover / Ben van Gelder (Pays-Bas, 2010s) : Emblématiques de la scène amstellodamoise, Star Rover détourne pédales d’effets et synthés analogiques, propulsant le jazz dans l’univers du post-rock et de l’immersion bruitiste, sur fond d’improvisation au saxophone.
• Tomasz Stańko (Pologne)
• Maciej Obara Quartet (Pologne/Norvège, 2010) : Cette dernière achemine la trompette dans un bain de textures électroniques sans jamais sacrifier la narration mélodique, preuve que l’Est n’a rien à envier à la Scandinavie côté innovations sonore.

• Refus des hiérarchies instrumentales : Pas de domination du piano ou de la guitare. Ici, un laptop, une boîte à rythme ou un sample ont autant de légitimité à mener le discours mélodique que la contrebasse ou le saxophone.
• Prise de risque scénique : L’improvisation s’élabore en direct sur et avec la machine, au même titre que les instruments acoustiques. D’où la singularité de ces concerts “qui ne sonnent jamais pareil”.
• Métissage des clubs : Berlin, Londres, Paris ou Oslo, la scène jazz électronique s’invite autant dans les clubs de jazz que sur les scènes électroniques et les festivals “indie”. En 2006, près de 18% des programmations du London Jazz Festival incluaient des groupes hybrides jazz-électro, contre 5% en 1999 (données Rough Guide 2011).

Le jazz électronique européen n’est ni une mode, ni une simple déclinaison locale d’un modèle américain. C’est une tradition d’inventions, de bricolages, de refus des normes – exactement ce que le jazz est au fond, dans son ADN le plus pur.

Aujourd’hui, quand Ezra Collective, Portico Quartet ou GoGo Penguin (UK) remplissent les salles des deux côtés de la Manche, quand des labels comme Jazzland (Norvège), ECM (Allemagne) ou ACT (Allemagne/Suède) irriguent la planète de projets inclassables, on doit se souvenir que ce foisonnement n’est pas né d’un claquement de doigts mais d’une suite d’explosions successives, portées par des groupes dont l’histoire continue de s’écrire.

Le jazz, quand il dialogue avec l’électronique sur le Vieux Continent, n’a pas fini de nous surprendre – pour peu qu’on tende l’oreille au-delà des dogmes et des frontières. Et si, pour une fois, l’aventure du jazz européen se racontait au présent…